Le Septantecinq École Supérieure des Arts de l’image

L’orientation Peinture propose de développer un langage plastique alliant plusieurs disciplines artistiques et accordant une importance manifeste aux réalités contemporaines tournées vers cette diversité de moyens. Les préoccupations de l’art contemporain ont transformé le cadre classique du champ de la peinture, de plus en plus celle-ci cohabite avec les formes artistiques telles que l’art in situ, la performance, l’art sonore, l’art vidéo, l’art numérique…

L’atelier est un espace d’exploration pluridisciplinaire qui offre à l’étudiant.e l’opportunité de porter de l’intérêt à l’égard de ses propres ressources personnelles et de l’héritage de l’art contemporain (expérimentations liées à sa propre histoire) et de cultiver sa curiosité à travers les formes artistiques les plus diverses. C’est aussi un cadre qui permet d’apprendre à gérer les temps différents que constituent la création artistique. Ces temps, en effet, essentiels invitent à regarder en profondeur plutôt que de voir en surface.

Durant le cursus, l’étudiant.e  est incité.e à s’engager dans des actions fortuites, spontanées, afin de découvrir, explorer et transgresser les frontières entre les différents paramètres plastiques, picturaux, performatifs  et spatiaux. Iel est amené.e à tenir compte des accidents et des imprévus, les comprendre et se les réapproprier. L’ensemble du cursus est composé de temps de travail d’atelier continu dans lequel s’inscrivent des semaines atypiques composées de workshops. Ces workshops sont des moments destinés à explorer différents types de recherches plastiques.

S’engager dans une préoccupation plastique, c’est comprendre et développer son processus de création, travailler la conception ou la création de procédés, systèmes, méthodes et gestions de projets. Mais aussi, porter un intérêt et mener une réflexion à l’égard des espaces permettant la présentation et la diffusion du travail.

Afin d’élaborer un système de recherche cohérent autour de son travail, l’étudiant.e est familiarisé.e avec l’actualité culturelle.

L’équipe pédagogique se compose d’enseignant.e.s ayant, selon leurs parcours, des visions singulières du domaine. L’étudiant.e peut ainsi proposer son travail à différents points de vue, développer son sens critique et se créer sa propre opinion.

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https://blogpeinture.le75.be

• Acquérir une structure historique;

• Mémoriser les traits spécifiques des grandes périodes;

• S’interroger sur la fonction des images dans le cadre de la thématique de l’année;

• Décrire un document visuel selon des critères donnés;

• Développer l’expression et la formulation de sa perception visuelle.

• Étudier des œuvres d’art en prenant en compte leur genèse technique, historique et artistique ;

• Établir de parallèles entre les grandes périodes artistiques ;

• Découvrir de textes d’artistes ou de mouvements artistiques ;

• Maîtriser le vocabulaire spécialisé.

• Une thématique spécifique est prévue par année : le portrait, la nature en art… ;

• Documents didactiques (cartes de géographie historique, chronologies…) ;

• Cours magistral avec PowerPoint ;

• Apprentissage de la “lecture12H45:

  Aimé Sacha

  Amoruso Elise
  Basso Ricci Lorenzo
  BONAREWITZ Emma
  Caillaud-Vigier Achille
  

  13h30

  Chebahi Feriel

  Dernoeden Lucie
  Dubois-Loyer Leon
  Goze Rose
  Guillaume Solène
  

  14h15

  Lachapelle Elena
  Lebel Sacha
  Le Deu Lauréline
  Mahéo Zacharie
  

  15h

  Mennessier Léa

  Meziane Ludmilla

  Piffeteau Paloma
  

  Quisquater Augustin

  15H45:

  Spinelli Giulia

  Van Hove Méline
  Wissler Nicolas
  

  CUNHA-ROY Illie” des œuvres : analyse esthétique ;

• Apprentissage du vocabulaire spécialisé nécessaire à la lecture des œuvres d’art.

• Études des grandes périodes artistiques de l’histoire de l’art occidental de la Renaissance à la fin du XIXe siècle ;

• Étude des artistes / des œuvres majeures;

• Étude des contextes historiques, philosophiques, religieux, …

• Examen écrit et / ou oral en janvier.

• Possibilité d’examen écrit et / ou oral en septembre.

• Restitution des noms des périodes et des œuvres ;

• Dater et situer les œuvres dans leur contexte ;

• Niveau de compréhension et d’analyse des œuvres.

Le TFE (travail de fin d’études) se compose de trois parties :

• Réaliser un travail plastique personnel.

• Développer une méthode cohérente de recherche et de travail. 

• Savoir situer le travail dans son contexte (lieu, temps, époque, public…).

• Avoir conscience de sa démarche artistique.

• Clarifier les enjeux de son travail.

• Créer un dispositif de présentation de son travail.

• Communiquer ses intentions avec cohérence.

• Collaboration avec les cours théoriques. 

• Collaboration avec les cours techniques. 

• Réalisation d’un travail de fin d’étude (jury Q2 et travail éditorial).

• Comprendre et intégrer dans son travail plastique les différents paramètres tels que : espace, mouvement, action, temps, geste, corps, environnement, public… 

• Expérimenter, documenter et archiver.

• Recherches et présentations de références artistiques liées au travail plastique personnel.

• Rendez-vous réguliers individuels et collectifs avec l’équipe pédagogique.

• Séances régulières individuelles de présentation de l’état d’avancement de son travail et de ses recherches.

• Rencontres avec des artistes et des personnalités du monde de l’art.

• Suivi individuel par rapport à la réalisation du travail de fin d’études.

• Maintien hebdomadaire d’un carnet de recherches et de références. 

• Visites d’expositions en groupe et en individuel.

• Exercices d’accrochage et d’installation. 

• Présentation et analyse critique en groupe et individuelle. 

• Rencontres et workshops avec des artistes et des personnalités du monde de l’art. 

• Construire un travail exprimant son point de vue personnel par rapport aux notions plastiques développées dans ses recherches.

• Développer une réflexion sur la notion de mise en espace. 

• Savoir distinguer, nommer et expérimenter les différents paramètres de l’espace tels que : lieu, temps, époque, privé, public, institutionnel, marchand, intérieur, extérieur, urbain, rural…

• Savoir anticiper la contrainte de la mise en espace dans son travail plastique personnel.

• Distinguer et expérimenter les différents paramètres tels que : espace, mouvement, action, temps, geste, corps, environnement, public… 

• S’exercer à présenter et argumenter son travail plastique personnel.

• Concrétiser la réalisation d’un travail plastique personnel.

• Organiser et gérer les critères relatifs au processus de création (temps, moyens, documents, archives).

• Situer sa démarche plastique dans le monde de la création artistique contemporaine.

• Gérer les méthodes de présentation et de diffusion de son travail plastique et de son processus de création.

• Être capable de faire des liens entre son travail plastique personnel et les cours théoriques et techniques.

• Compréhension et mise en forme de la notion d’espace, mouvement, action, temps, geste, environnement, corps, public dans un travail plastique personnel. 

• Être capable de documenter et archiver ses actions. 

• Argumenter son travail oralement et par écrit, communiquer par rapport à ses choix. 

• Mettre en avant l’expérimentation dans son processus de création. 

• Utiliser la contrainte dans son processus de création. 

• Être ouvert à la discussion, à la critique et aux différents points de vue.

• Mise en commun des recherches et discussions de groupe.

• Évaluation partielle en fin de 1er quadrimestre.

• Évaluation partielle en fin de 2eme quadrimestre (50 % de l’année).

• Évaluation par un jury interne à l’issue du premier et par un jury artistique externe second quadrimestre (50 % de l’année).

• Évaluation du TFE.

• Pas de possibilité d’examen en septembre.

• Singularité de la forme, de l’interprétation / singularité du concept.

• Gestion du temps et respect des délais imposés.

• Prise en compte des discussion avec l’équipe pédagogique et évolution de son travail.

• Compréhension des enjeux de son travail. 

• Situer sa production artistique en rapport à la création artistique contemporaine.

• Capacité autocritique et argumentation orale et écrite de son travail.

• Cohérence et créativité.

• Qualité des travaux réalisés et de leur présentation.

• Prises de risques et initiatives personnelles.

• Autonomie.

• Assiduité et présence.